Nowa wystawa śledzi najnowsze osiągnięcia w świecie mody, jej międzynarodowe wpływy i coraz bardziej komfortowe relacje z instytucjami sztuki.

W ciągu ostatnich 10 lat awangardowa moda skupiła się na wybranej liczbie projektantów, którzy produkują naprawdę innowacyjne elementy i na nowo definiują granice między modą a sztuką. Domy mody, takie jak Comme des Garçons, Vivienne Westwood i Alexander McQueen konsekwentnie odkrywają nowe i ekscytujące podejście do koncepcji mody i pomysłów, jakie może zaprezentować ludzkie ciało. Teraz, mając nadzieję na zwrócenie większej uwagi międzynarodowej na nowych projektantów poza tym nielicznym, Museum Boijmans Van Beuningen w Rotterdamie twierdzi, że nigdy wcześniej nie było czasu dla myślących, ambitnych projektantów mody i że dychotomia między modą a sztuką ma nigdy nie było mniej jasne.

The Future of Fashion is Now koncentruje się na niezwykle zróżnicowanej gamie kierunków, w które wkraczają dzisiejsi projektanci, zarówno nowi, jak i bardziej ugruntowani. Dzięki istniejącym pracom ponad 60 projektantów z całego świata, a także specjalnym nowym zamówieniom z sześciu nowych talentów wystawa prezentuje gamę od mody dla zabawy, mody dla łatwości użytkowania, mody jako wyzwania dla projektowania, mody, która nawet kwestionuje samą ideę mody.

Pomyślana przez José Teunissen i Han Nefkens, The Future of Fashion is Now bada ogromne zmiany i postępy branży mody w ostatnich latach. Teunissen wyjaśnia, że ​​teraz wydaje się, że jest to odpowiedni moment na wystawę: „Od kilku lat jesteśmy świadomi, że istnieje nowa generacja, która myśli o modzie zupełnie inaczej”. Z jednej strony przypisuje ona zmieniające się postawy postępom w technologii, które mają „wyzwolonych ludzi, aby coraz więcej projektantów chciało eksperymentować z nowymi rodzajami materiałów, nowymi rozwiązaniami”, a z drugiej strony coraz większą świadomością, że awangardowi projektanci „pracujący na krawędzi mody” sami stają się dobrze znanymi filarami zakładu. Teunissen opisuje ludzi takich jak Rejina Pyo, Hussein Chalayan i Viktor & Rolf jako „bardziej konceptualnych, pracujących projektantów mody, którzy nieustannie próbują odnawiać modę, eksperymentować z tym, czym może być”, ale są to profesjonaliści, którzy kwestionują status quo dla długo. „Future of Fashion” jest zatem „także poszerzaniem naszego zakresu, spoglądaniem poza Europę i być może widzeniem tego, co dzieje się w Chinach, Peru i Australii”. Wystawa wprowadza prawdziwie międzynarodowy smak do innowacyjnej mody, ponieważ „świat się zmienił; każde ważne miasto lub region świata ma swoją własną modę, tygodnie mody i czasopisma ”.

Podczas gdy dzieła zostały zebrane przez kuratorów z pomocą międzynarodowych harcerzy i jury, proces selekcji był celowo nierecyzyjny, a zakres projektów na widoku jest naturalną prezentacją wysoce eklektycznych stylów globalnych. Byli jednak w stanie podzielić prezentację wystawy na cztery „pod-terminy”. Sekcje te koncentrują się na materializmie (przejrzystość, organiczność i technologia), karnawale (redefiniowanie formy ciała i tożsamości), reinterpretacji (podróże i eksploracje) , a polityka i wspólnota. Ta kuracja tematyczna pozwala uniknąć zbytniego rozróżnienia fizycznego między wcześniej istniejącymi dziełami a sześcioma prowizjami, które zostały stworzone specjalnie na potrzeby przedstawienia. Nowo utworzone prace mają zostać umieszczone wśród innych prac w ich odpowiednim obszarze tematycznym, ale zostaną powierzchownie oddzielone większą ilością miejsca i tekstem wyjaśniającym wokół nich. Te nowe komisje, choć prezentowane obok wielu innych prac, są centralnym punktem wystawy i umożliwiają kuratorom podkreślenie nowych kierunków otwartych i realizowanych przez innowatorów, gdy zostaną uwolnieni od ograniczeń handlowych i finansowych branży.

Sześciu zwycięskich zwycięzców otrzymało dotację z inicjatywy Han Nefkens Fashion on the Edge, aby stworzyć utwór, który uważali za ważny. Aby zidentyfikować odbiorców, Teunissen i Nefkens podjęli „oddolne badania” i pielęgnowali projektantów, stale omawiając ich pomysły i cele. Ostateczni odbiorcy – Craig Green (Wielka Brytania), Digest Design (Chiny), D&K (Australia), Iris van Herpen (Holandia), Lucia Cuba (Peru) i Olek (Polska) pokazują różnorodność i szerszy trend mody, a nie skupiając się na uznanych stolicach mody w Londynie, Paryżu, Nowym Jorku i Mediolanie. Przemysł poszukuje dalszych możliwości, zwłaszcza w Berlinie „dla awangardy, dla marży, dla nowych”, a także dla Antwerpii dla „nowej energii, nowej możliwości”.

Mimo, że tych sześciu projektantów zostało sfinansowanych przez Fashion on the Edge, nie było recepty na ich pracę i otrzymali oni twórczą swobodę nad swoimi ostatecznymi projektami. Teunissen i Nefkens zachęcali jednak do procesu twórczej współpracy, który Teunissen opisuje jako, aby ich pobudzić, zainspirować ich do kontrolowania. ”Tak więc, podczas gdy prowizje były„ specjalnie zaprojektowane, aby dać projektantom swobodę tworzenia czegoś, co chcą zrobić, czego prawdopodobnie by nie zrobili ”, kuratorzy uważnie śledzili postępy każdego projektanta: „Nie chodzi o ich (krytykę); na przykład chodzi o to, jak na przykład rozwija się proces i pyta, jak coś się zmieni i jaki jest projekt? ”

Przez wieki ubrania były używane nie tylko ze względów praktycznych, ale jako sposób na wyświetlanie obrazu i wyglądu reszcie świata. Jest to jedna z mocnych stron mody, sposób, w jaki działa jako forma zbroi socjologicznej dla jej użytkownika. Teunissen opisuje tę umiejętność „komunikowania tożsamości osobistej i społecznej” jako „najważniejszy aspekt mody przez stulecia”. Projektanci tacy jak Adele Varcoe (jedna z wielu osób na wystawie obecnie podejmującej studia doktoranckie) koncentrują się na tych socjologiczne mity na temat odzieży, w których Varcoe odwołuje się bezpośrednio do opowieści o nowej bajecznej szacie cesarza i przesłaniu potężnych projekcji mody. Tworząc kilka przedstawień, noszone są tylko pończochy ciała (w tym rekonstrukcja pokazu Chanel z lat 20. XX wieku, bez ubrań). Varcoe pyta „co jest konkretne i materialne, a co tylko kulturą i wiarą w elementy wizualne”. wraca moda do najbardziej podstawowych i bada, jak praktycznie można wykorzystać odzież i jak manipulować nowymi technologiami, aby odtworzyć komfort i ochronę. Kombinezon Jesse’a to forma „architektury łączącej się z czymś, co można nosić”, pocieszający kokon, który jest prosty, ale zachowuje awangardowy urok.

Niektórzy projektanci jeszcze bardziej wykorzystali możliwości i innowacje technologiczne, aby tworzyć utwory, które pozornie wydają się przydatne i praktyczne, ale które wymagałyby trochę wyobraźni, aby stać się głównym nurtem i populistą. Ponownie ładowana kurtka Pauline van Dongen z pewnością wprowadza nową funkcjonalność na nowy poziom, ale choć wątpliwe jest, aby te elementy kiedykolwiek stały się rzeczywistością komercyjną, Teunissen twierdzi, że „wykorzystanie technologii nabiera rozpędu … wyzwaniem jest stworzenie produkt, a nie prototyp. ”Prace Elisy van Joolen bezpośrednio potwierdzają zarówno potencjał personalizacji, jak i kanibalizm mody, odtwarzając różne swetry z dekoltem od różnych projektantów na nowe kawałki. Projekt uznaje nie tylko podobieństwa między wieloma różnymi zakresami projektantów („każdy ma sweter z wycięciem pod szyją, każdą markę”), ale także, gdy praca opuści dom mody, jest w sferze publicznej i poza kontrolą projektanta. Tak jak projektanci mody z czerwonego dywanu starali się przez lata mieć „właściwe” gwiazdy fotografowane w swoich ubraniach, Teunissen wyjaśnia, jak van Joolen odkrył, że wielu oryginalnych projektantów „próbowało to kontrolować”. nie tylko w sposobie, w jaki wskazuje na ciągłe możliwości indywidualizmu w raczej jednolitym krajobrazie: „Wszystko wygląda tak samo, ale kiedy tworzysz nowe kombinacje, widzisz niewielkie różnice w markach; Myślę, że to proste, ale miłe. ”

Praca Van Joolena pośrednio odnosi się do sposobu, w jaki moda i nasz związek z nią dzisiaj (ciągłe dążenie do nowego, obrotowe drzwi kolekcji i szybka moda na głównej ulicy) rodzi problemy etyczne i pytania dotyczące zrównoważonego rozwoju branży. Projektanci, tacy jak Stella McCartney i Vivienne Westwood, od lat opowiadają się za bardziej etyczną, zrównoważoną, ekologiczną postawą, ale jest to sprzeczne, ponieważ są częścią tego systemu i ciągłego poszukiwania nowego. Teunissen uważa jednak, że wprowadzenie nowej technologii jest szansą na zakwestionowanie tego status quo. Nowe technologie „otworzyły przestrzeń dla młodych projektantów, ponieważ mogą oni rozpocząć pracę w niszy, tworząc produkt na małą skalę i znaleźć nowe modele biznesowe z małymi, wysoce wyspecjalizowanymi, unikalnymi rzeczami; jest to cenne. ”Podważając obyczaje konsumpcjonizmu, zyskują na znaczeniu dzięki technologii, która sprawiła, że ​​większe marki zwróciły na to uwagę. Dzięki detalicznym gigantom z Burberry do Primark, uznającym znaczenie korzystania z mediów społecznościowych w kontaktach z klientami, moda to taka, która obejmuje większą indywidualność obu marek dla konsumentów.

Sam tytuł wystawy „Przyszłość mody jest teraz” identyfikuje nienasycone poszukiwanie nowego, które napędza ten światowy przemysł do ciągłego poszukiwania nowości i zmian. Jednak przyznaje również, że nigdy wcześniej nie było takiego czasu w modzie. Definiując formę sztuki i jej dzisiejszy status, Teunissen postrzega innowacje w materiałach i technologii jako wiodące: „Zmiana procesu, a także treści mody, tworzenie ubrań komunikujących się z ciałem i prezentujących jego emocje, które przynoszą zupełnie inny obraz lub znaczenie mody. ”Równie ważne jest jednak to, że wschodzący projektanci zaczynają kwestionować i przemyślać system mody i konsumpcji:„ Coraz więcej jest kwestii etycznych. Czy musimy to konsumować? Czy nie musimy więcej myśleć o wartości tego, co mamy na sobie? ”Teunissen nazywa tę nową kwestię etyczną„ zrównoważoną świadomością ”i podkreśla, że ​​pod wieloma względami ta potrzeba opowieści, skupienia się na pochodzeniu utworu, i świadomość modeli pracujących w jej kreacjach przybliża modę do sztuki. Idea opowiadań w dziele jest powszechna w sztuce pięknej, ale „specyficzny związek z modą, z odzieżą, z tkaninami, aby podnieść świadomość na temat tego rodzaju opowieści, by połączyć ludzi, myślę, że to całkiem nowy sposób w modzie”.

Przykładem zastosowania ubioru, który przenosi narrację kreacji i wplata ją wyraźnie w ostateczną pracę, jest chusta holenderskiego projektanta Aliki van der Kruijs „Made By Rain”. Są barwione indygo, a następnie dosłownie układane na dachu projektanta, aż pada deszcz. Ponieważ jest to taki proces organiczny i całkowicie pod wpływem kaprysu natury, każdy kawałek jest wyjątkowy w taki sposób, w jaki nie mogą być wykonane fabrycznie (lub nawet ręcznie wykonane) materiały. Każda tkanina ma kartę informującą, która data deszczu pomogła ją stworzyć, jak mocno spadła i na jak długo, a to stanowi element projektu, który Teunissen określa jako „powolne rozszczepienie”. To skupienie na materialności i procesie tworzenia jest powtórzony w najnowszej komercyjnej kolekcji mody Digest Design, która bada wszechstronność i zastosowania perkalu. Korzystając z tradycyjnych metod umierania, Digest Design (projektant Dooling Jiang) stworzył rekonstrukcję ze swojej poprzedniej kolekcji, nawiązując nie tylko do „lokalnego rzemiosła i lokalnego dziedzictwa odzwierciedlającego tożsamość Chin”, ale także do bardziej komercyjnych kolekcji projektantów mody i fuzji mody ze sztuką, tworząc coś podobnego do instalacji artysty – kompozycję, którą Teunissen opisuje jako „przybliżającą historię Chin, łączącą ją z wartościami tkanin”. Dla Teunissena ta opowieść jest naprawdę ważnym elementem nowego kierunku, w którym moda się porusza: „Dlaczego jesteśmy przywiązani do ubrania? Jaka może być ta historia? Co jest istotne? Jest to inny, konceptualny, bardziej artystyczny sposób myślenia niż 10 czy 20 lat temu ”. To przedefiniowanie wartości to proces, który wykracza poza wystawę do praktyki i badań każdego projektanta, a ze względu na nienasycone poszukiwania mody na świecie, to historia, która będzie ewoluować na wybiegu i na ulicy.